Sacred and Profane Love: the secrets behind the masterpiece Tycjana

spacer na Wzgórze Pincian w Rzymie stawia przed tobą jeden z najbardziej znanych widoków na świecie. Ludzie lubią patrzeć na nią i wskazywać na pomnik, sylwetkę, kopułę i mówić: „o tak, teraz rozumiem, gdzie ona jest”. Z tyłu malowniczego widoku, otoczonego przestrzenią ostrokrzewów, kasztanowców, wiecznie zielonych dębów, posągów i marmurowych popiersi, znajduje się Villa Borghese, jeden z największych parków w stolicy kraju, w którym mieści się Galeria Borghese. To była kiedyś rezydencja Kardynała Scipione i dziś zachowuje bezcenne arcydzieła artystyczne, w tym wiele dzieł Caravaggia i Berniniego.

ale dzisiaj skupimy naszą uwagę gdzie indziej, na równie słynnym kamieniu milowym w sztuce włoskiej, Świętej i bluźnierczej miłości Tycjana.

jednym z wielu darów, które daje nam sztuka, jest zmuszanie nas do podążania za znaczeniem dzieła, do zastanawiania się nad znaczeniami, które kryją się za obrazem, tajemnicami i ideami, które artysta chciał wyrazić, i dlaczego. Czasami dzieła takie jak burza Giorgione, alegoria Wiosny Botticellego i rzeczywiście Święta I bluźniercza miłość Tycjana stanowią zagadkę, którą tylko czas, dokumenty i sumienne badania mogą rozwikłać. Niemniej jednak dwuznaczność tego, co artysta próbuje przekazać w niektórych z tych arcydzieł, pozostaje, rezonując, stając się częścią naszego wspólnego dziedzictwa, częścią przyjemności płynącej z ich doceniania i cieszenia się nimi. Ta ciemna strona wzmacnia naszą fascynację.

Tycjan, pochodzący z Cadore, w regionie Veneto, przeniósł się w młodości do Wenecji, gdzie podjął pracę w pracowni Gentile Belliniego, oficjalnego malarza Republiki Weneckiej.

Tycjan malował Świętą i bluźnierczą miłość, gdy miał około 25 lat. Dość duże płótno przedstawia dwie młode kobiety, jedną bogato ubraną, a drugą nagą, siedzące na obu końcach sarkofagu. W środku Amor zanurza rękę w wodzie w sarkofagu. Krajobraz w tle rozciąga się o różnych cechach. Za ubraną kobietą jest bardziej wytrzymała z wieżową strukturą, centrum jest bujne z drzewami i roślinami, podczas gdy za nagą kobietą jest bardziej Linearny z pięknym spokojnym jeziorem.

począwszy od końca XIX wieku interpretacje zaproponowane dla obrazu były nieograniczone. Pewne jest, że w tym czasie Tycjan zapoznał się z grupą humanistów kierowanych przez Pietro Bembo. Byli to intelektualiści, którzy omawiali filozofię, literaturę, mitologię i muzykę, która odwoływała się do złożonych teorii opartych na odrodzeniu klasycznych filozofów i pisarzy.

Bembo jest autorem popularnego dzieła Asolani, w prozie i rymie, z miłością jako jego centralnym elementem. Jest prawdopodobne, że Tycjan czerpał inspirację z tych humanistycznych dyskursów, aby przekazać to, co, pod każdym względem, wydaje się być prawdziwym tematem obrazu, alegorią o małżeństwie.

ślub miał odbyć się pomiędzy Nicolò Aurelio a Laurą Bagarotto w 1514 roku. Herb rodziny Aurelio jest w rzeczywistości przedstawiony na sarkofagu. Ale dlaczego Nicolò zamówił obraz od Tycjana, aby uczcić jego ślub? W tym celu musimy zagłębić się w jego przeszłość. Nicolò był członkiem Rady dziesięciu, organu, który rządził Wenecją i który skazał ojca panny młodej, Bertuccio Bagarotto, na powieszenie pod zarzutem zdrady, oskarżenie, które okazało się zasadniczo bezpodstawne.

dlatego intencją było wyleczenie rany, przekonanie Laury do małżeństwa z nim, Pomimo tego, co zrobił jej ojcu i zorganizowanie małżeństwa, które zjednoczyłoby zaangażowane frakcje polityczne. Najprawdopodobniej był to prezent ślubny – bardzo przekonujący – który dążył do dyplomatycznego i rodzinnego pojednania.

to nie przypadek, że ubrana kobieta ma wszystkie symbole panny młodej tamtych czasów: rękawiczki, pasek, róże, roślinę mirtu i skrzynię klejnotów.

w XVI-wiecznej Wenecji małżeństwo miało ważną wartość społeczną, służącą sankcjonowaniu sojuszy i zapewnianiu partnerstw biznesowych, które wykraczały poza prosty związek pary. W renesansowych malowidłach weneckich duża liczba płócien przedstawiających rzymską boginię florę, symbol harmonii małżeńskiej i płodności oraz żonę Zefira, świadczy o tym nurcie. We wcześniejszym dziele, zatytułowanym Flora, Tycjan przedstawiał boginię bardzo zmysłowo i wykorzystywał ten model do świętej i bluźnierczej miłości.

Wracając do obrazu wiszącego w Galerii Borghese, po lewej stronie, za ubraną kobietą, czyli bluźnierczą miłością, idzie w górę ścieżka, reprezentująca trudności cnoty, które uzyskuje się tylko poprzez zmagania i poświęcenie. Po prawej stronie, za świętą miłością, krajobraz jest płaski i rozległy. Nie zdziw się, że święta Miłość jest przedstawiona nago, ponieważ tradycja utrzymywała, że niebiańskie piękno nie potrzebuje ozdób, które można podziwiać.

pozostaje problem pogodzenia miłości czystej i zmysłowej. Wydaje się, że Tycjan chciał wskazać Amora, położonego między dwiema kobietami, jako idealnego pośrednika.

z punktu widzenia stylistycznego obraz można określić jako „Klasycyzm chromatyczny”, okres w karierze artysty, który podążał ścieżką Giorgione i Belliniego, ale który jest uwolniony i znajduje idealną abstrakcyjną i formalną równowagę dzięki użyciu koloru w celu osiągnięcia stylistycznej jedności.

w 1899 roku Rothschildowie, w tym czasie jedna z najbogatszych rodzin na świecie, odwiedzili Rzym i podziwiali obraz, oferując za niego 4 000 000 lirów, pomimo faktu, że wartość całej Galerii Borghese i całej jej zawartości oszacowano na 3 600 000 lirów.

oferta została odrzucona i dziś święta i Profanowana Miłość jest nadal wystawiana w Galerii Borghese, stając się kamieniem węgielnym tej niesamowitej kolekcji.

Dodaj komentarz

Twój adres e-mail nie zostanie opublikowany.